WKM Gallery 榮幸呈獻群展「Embodied Perspectives」—— 六位當代日本畫家的作品，包括ソー・ソウエン (Soh Souen)，長島伊織 (Iori Nagashima)，山口幸士 (Koji Yamaguchi)，角田純 (Jun Tsunoda)，山田康平 (Kohei Yamada) 及吉野もも (Momo Yoshino)，探討身體性與繪畫二維平面之間的微妙相互關係，透過觀者自身感官經驗，體悟每位藝術家獨特的創作視角與語言。展期為 2025 年 3 月 22 日至 5 月 3 日。
身體參與作為繪畫作品的關鍵，交匯於三個層面：身體對主題的初步感知、藝術家以身體進行顏料塗抹的過程，以及觀者對作品所產生的感官共鳴與詮釋。「Embodied Perspectives」呈現的繪畫作品，不僅巧妙而深刻地展現身體在創作過程的中介角色，並進一步啟發觀者思考身體在創作過程中在場、或刻意缺席所帶來的意涵，從而啟發對繪畫本質更深層次的思考。
ソー・ソウエン以細膩筆觸及點彩畫派風格近距離描繪人體，藉此強調在數碼化日益普及、社交媒體與虛擬實境盛行的時代，身體仍具備不可或缺的重要性。他強調個體經驗的價值，亦深入探索人際間的聯繫。其點描技法巧妙呼應細胞結構，而作品的構圖佈局與色調則傳達了身體的柔軟與溫度，透過藝術家感同身受的觀察，凝練成獨特的視覺語言。
長島伊織擅於從網路圖片、電影劇照與個人攝影作品中汲取靈感，構築似曾相識的敘事，核心概念「可見與不可見之物」貫穿其創作中。時而忠實呈現原始素材，時而透過創作賦予嶄新的想像，從圖像中挖掘潛藏的多重敘事，這些取材而來的畫面，經由藝術家的取捨與再創造後，為觀者開啟一扇通往畫布外的敘事之門，也提供感身同感受的觀看體驗，使觀者得以透過藝術家的視角反思更多的可能性。
身為滑板愛好者，山口幸士以標誌性的模糊繪畫風格，捕捉川崎與東京街頭的流動景象。其靈感源於滑板者在城市穿梭時的轉瞬視覺，擺脫先入為主的視覺框架，並透過他略微受損的視力擷取事物的本質與細節。此充滿動能的模糊處理手法，不僅豐富了畫面的視覺張力，同時邀請觀者沉浸於藝術家滑行的節奏與步調中，感受其穿行於城市空間時的體驗。
角田純透過將植物的有機形態與礦物的半透明質感融入畫作，探索自然、素材與創作之間的深層連結。他自八十年代後期從東京移居山梨縣八岳地區後，與大自然建立了深厚聯繫，探尋自然的本質與純粹。他運用日本傳統漆器工藝和漆喰塗 (Shikkui) 等技法，萃取對自然世界的獨到體悟，注入於畫面之中，觀者在觀看作品時，能感受他對周遭風景的深刻思索。
山田康平的抽象繪畫乍看宛如單純的色塊，然而在仔細觀察下，卻能體會到豐富層次與結構。透過色彩及線條間的張力，他在畫布的有限方圓內營造出宛如持續擴張的空間。顏料經過多重塗覆與覆蓋，將觀者引領至一個相對抽離身體、專注於視覺的沉浸感受的。山田將這個不斷塗抹的步驟稱作「隱藏背景」，意在凸顯對畫面的培養與建構，為觀者帶來深層次的美學體驗。
吉野もも運用視覺錯覺，擾動和拉近觀者與畫面的距離。她的作品乍看宛如摺紙疊後的三維浮雕，實際上卻是二維畫作。她對摺紙的引用反映對傳統美學的當代詮釋，摺紙與「紙」和「神」發音相同，呼應了這兩個日文單字之間的連結。她的作品營造出具存在與缺席的曖昧狀態，正如隱約的神聖氛圍。與山田康平的創作方法形成對比，吉野著重增強觀者對自己身體以及其作品的位置感，形成一種感知與物質之間的相互體驗。
觀看繪畫，本質上是追溯並重構藝術家視角的過程，同時體現觀者本身與藝術品之間的張力。儘管六位藝術家各具鮮明的個人美學風格，他們皆精準地運用創作語彙，傳達此種微妙的拉扯，為觀者呈現多元且具體之視野。本次展覽不僅展現了當代日本繪畫藝術的豐富面貌與多樣性，更預示此領域所蘊藏的無限可能。
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